Dos días después de su fallecimiento, el 29 de marzo

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Dos días después de su fallecimiento, el 29 de marzo, tuvo lugar el funeral. Se celebró en la Iglesia de la Santa Trinidad, distante un par de cuadras del domicilio de Beethoven, y en él se interpretó el Réquiem en re menor de Wolfgang Amadeus Mozart. Al mismo asistieron más de 20.000 personas, entre las que se encontraba Schubert, gran admirador suyo. El actor Heinrich Anschütz leyó la oración fúnebre que fue escrita por el poeta Franz Grillparzer, a las puertas del cementerio de Währing, ahora Schubert Park.^[5]

En su escritorio de trabajo se encontró el Testamento de Heiligenstadt, redactado en 1802, en donde explica a sus hermanos el porqué de su profunda amargura. También se encontró la mencionada desgarradora carta de amor dirigida a su «Amada inmortal» a la que llama «mi ángel, mi todo, mi mismo yo»

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Al día siguiente, 24 de marzo de 1827, Beethoven recibe la extremaunción y la comunión según el rito católico.

Al día siguiente, 24 de marzo de 1827, Beethoven recibe la extremaunción y la comunión según el rito católico. Cabe señalar que las creencias personales de Beethoven fueron muy poco ortodoxas. Esa misma tarde entra en coma para no volver a despertar hasta dos días más tarde. Su hermano Nikolaus Johann, su cuñada y su admirador incondicional Anselm Hüttenbrenner le acompañaron al final ya que sus pocos amigos habían salido a buscar una tumba. Sus últimas palabras fueron dirigidas al vino del Rin que llegó después de mucho esperar el encargo, que se esperaba surtiera buenos efectos sobre la salud del músico: «Demasiado tarde, demasiado tarde...». Hüttenbrenner relató los últimos momentos del compositor el 27 de marzo de 1827 de la siguiente forma:

Permaneció tumbado, sin conocimiento, desde las 3 de la tarde hasta las 5 pasadas. De repente hubo un relámpago, acompañado de un violento trueno, y la habitación del moribundo quedó iluminada por una luz cegadora. Tras ese repentino fenómeno, Beethoven abrió los ojos, levantó la mano derecha, con el puño cerrado, y una expresión amenazadora, como si tratara de decir: «¡Potencias hostiles, os desafío!, ¡Marchaos! ¡Dios está conmigo!» o como si estuviera dispuesto a gritar, cual un jefe valeroso a sus tropas «¡Valor, soldados! ¡Confianza! ¡La victoria es nuestra!». Cuando dejó caer de nuevo la mano sobre la cama, los ojos estaban ya cerrados. Yo le sostenía la cabeza con mi mano derecha, mientras mi izquierda reposaba sobre su pecho. Ya no pude sentir el hálito de su respiración; el corazón había dejado de latir.

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Casi en la miseria

Casi en la miseria, a pesar de tener una gran fortuna en acciones de banco, escribió a sus amigos en Londres para pedir algún dinero. La respuesta llegó de inmediato, junto con doscientas libras esterlinas prestadas incondicionalmente. Cuando se difundió en Viena el estado terminal de Beethoven, todos sus antiguos amigos que aún vivían acudieron a su domicilio de la Schwarzspanierhaus para expresarle sus deseos de una pronta recuperación, aunque en realidad su propósito era despedirse del envejecido compositor.

A pesar de los cuidados de su médico y el cariño de sus amigos, la maltrecha salud del músico, que había padecido problemas hepáticos durante toda su vida, empeoró. Esos últimos días le acompañaron Franz Schubert, quien en realidad no se atrevió a visitar al maestro, pero un amigo de ambos le mostró al moribundo las partituras de sus lieder, que Beethoven tuvo oportunidad de admirar y se le atribuye la frase: «es verdad que en este Schubert se encuentra una chispa divina», recordando el comentario que sobre él hiciera Mozart y haciendo el cumplido que no hiciera a ningún otro músico.^[11] El 20 de marzo escribe: «estoy seguro de que me iré muy pronto». Y el día 23, entre los estertores del moribundo, algunas fuentes indican que exclamó: «Aplaudid amigos, comedia finita est» («La comedia ha terminado»), un final típico de la comedia del arte, aunque en 1860 Anselm Hüttenbrenner negó que Beethoven hubiera pronunciado tales palabras.^[12] Esa misma tarde tomó la pluma para designar a su sobrino Karl legatario de todos sus bienes

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Nuevo disco de Elvis Presley

Elvis Presley vuelve después de más de 30 años de silencio con la producción 'Viva Elvis. The album'. Este 1 de diciembre el rey del rock and roll revivirá gracias al trabajo de Legacy Recordings (de Sony Music), Elvis Presley Enterprises Inc. y Viva Elvis, el espectáculo del Circo del Sol que se presenta en las Vegas. el tiempo

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Sobre la mesa

Conciertos y proyectos

Tras 'Dos', vendrá el lanzamiento de 'Conector 2', la segunda entrega como solista de Héctor Buitrago, y ya está en capilla otro CD de Aterciopelados.

Andrea estrenará 'Dos' en vivo el 14 de diciembre, en el Museo Nacional, a las 7 p.m. el tiempo

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'Dos', de Andrea Echeverri

En 11 canciones, Andrea Echeverri propone una limpieza del espíritu a través de música empapada de ternura, hecha a ocho manos, principalmente sobre ritmos andinos colombianos. Imperdible: su hija Milagros le hace la segunda voz en varios cortes. el tiempo

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Un silvido en el bolsillo

En 1954 abandonó la actividad artística casi al mismo tiempo que su hermano Francisco. A pedido de Ben Molar compuso en 1954 junto con Nicolás Cócaro el tango Un silbido en el Bolsillo para el proyecto 14 con el Tango. En 1975 de nuevo por pedido de Ben Molar compone junto con Ernesto Sabato, Cátulo Castillo, Florencio Escardó y Leopoldo Díaz Vélez entre otros, para el disco "Los 14 de Julio De Caro".

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El compositor

La obra de Julio De Caro como compositor fue muy importante, destacándose temas como El Monito, Boedo, Mala Junta, entre otros. En esencia, el aporte fundamental del sexteto de Julio De Caro fue la incorporación de un estilo depurado en la interpretación orquestal del tango, estilo que conjugaba toda la riqueza de la música académica europea con el ritmo y el canyengue propios del género. Sus interpretaciones se caracterizan por la frecuente inclusión de pasajes de violín o de piano solista, así como de contracantos entre dos violines o entre violines y bandoneones. Esta difícil síntesis tuvo éxito y permitió además que la orquesta de De Caro pasara a ser la favorita de la alta sociedad porteña.

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El renovador del tango

En la década de 1930 organizó conjuntos de mayores dimensiones, en los que incluía una mayor variedad de instrumentos, que en parte causaron cierto desvanecimiento de su estilo original. A pesar haber renovado el tango en los años 20 y de imponer un estilo al que responderían en mayor o menor medida casi todas las orquestas de tango posteriores a los años 20, no logró mantener el paso frente a la rápida evolución ocurrida en los años 40. A finales de esta década, sin embargo, volvió a la escena con un estilo muy renovado, propio ya de esta época, pero esta etapa de su carrera duró muy poco, retirándose de la dirección orquestal definitivamente hacia 1954.

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Características de la guajira

Las líricas, versificadas, están casi siempre en la forma de una décima. El Punto se basa en las líricas más que la melodía. Es uno de los ritmos más cadenciosos es por ello que es un estilo pegadizo y que invita a bailar, las letras son variables, en donde se puede expresar cualquier estado de ánimo, es de resaltar el sentimiento con el que se interpreta la guajira. Cuando se refiere a temas campesinos lo hace de una manera idealizadora y bucólica, se evocan por lo general la vida rural y las historias de amor.

En la guajira alternan los ritmos de tres por cuatro y seis por ocho. Su primera parte se escribe en modo menor, y la segunda en mayor. Concluye siempre sobre la dominante del tono en que está compuesta. Hay una modalidad también llamada guajira, pero que consiste, en fundirse con el son, en la guajira-son.

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La guajira en España y Cuba

En España la guajira comenzó a llegar a ser popular alrededor del final del siglo XVIII. En especial la cultura musical canaria, sobre todo en el uso de la guitarra y el triple, ha tenido gran influencia en la música guajira.

En Cuba los campesinos reciben el nombre de guajiros, por eso se denomina “música guajira” o “música de los guajiros”, de modo general, a la música surgida e interpretada en las zonas rurales de la isla de Cuba. Así, como género musical, la guajira es parte de la música campesina y guarda semejanza con la criolla y el punto cubano, pero tiene algunas diferencias.

También existe la guajira en otros lugares de América, como en Colombia.

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Guajira (música)

La guajira^[1] (término que significa «campesina») es un género musical originario de la región oriental de Cuba, de tema campesino. Si bien tiene sus orígenes en Andalucía, la tradición atribuye la paternidad de este género al compositor Jorge Ankerman (La Habana 1877-1941), gracias a su composición «El arroyo que murmura».

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Galerón

El galerón es un canto típico de las llanuras de Colombia y Venezuela, usado en los velorios, formado principalmente de décimas. Se presume de origen español, y la misma forma de canción está extendida por todo el litoral caribe, en Cuba se le llama punto Guajiro, torbellino al interior de Colombia, trova en Puerto Rico, etc. Galerón se le llama pues a la forma de cantar, que puede ser acompañados por una gran diversidad de ritmos. En Colombia se baila con aires de joropo. wikipedia

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Carnaval

Un carnaval es una celebración pública que tiene lugar inmediatamente antes de la cuaresma cristiana, con fecha variable (desde finales de enero hasta principios de marzo según el año), y que combina algunos elementos como disfraces, desfiles, y fiestas en la calle. Por extensión se llaman así algunas fiestas similares en cualquier época del año. A pesar de las grandes diferencias que su celebración presenta en el mundo, su característica común es la de ser un período de permisividad y cierto descontrol.

El origen de su celebración parece probable de las fiestas paganas, como las que se realizaban en honor a Baco, el dios del vino, las saturnales y las lupercales romanas, o las que se realizaban en honor del buey Apis en Egipto. Según algunos historiadores, los orígenes de esta festividad se remontan a las antiguas Sumeria y Egipto, hace más de 5.000 años, con celebraciones muy parecidas en la época del Imperio Romano, desde donde se expandió la costumbre por Europa, siendo llevado a América por los navegantes españoles y portugueses a partir del siglo XV.

El carnaval está asociado principalmente con el catolicismo, y en menor medida con los cristianos ortodoxos orientales; las culturas protestantes usualmente no celebran el carnaval o tienen tradiciones modificadas, como el carnaval danés.

La celebración del carnaval más grande del mundo es la de Río de Janeiro, pero muchos otros países tienen importantes celebraciones, como la que se celebra en Italia, en el Carnaval de Venecia, el Carnaval de Santa Cruz de Tenerife, o el Carnaval de Cádiz ambos en España. El Carnaval boliviano, con caporales y morenadas, debe su actual auge en Europa debido a la emigración reciente.

Los etnólogos encuentran en el carnaval elementos supervivientes de antiguas fiestas y culturas, como la fiesta de invierno (Saturnalia), las celebraciones dionisíacas griegas y romanas (Bacanales), las fiestas andinas prehispánicas y las culturas afroamericanas. Algunos autores consideran que para la sociedad rural, fuertemente estructurada por el cristianismo, el tiempo de «carnestolendas» ofrecía mascaradas rituales de raíz pagana y un lapso de permisividad que se oponía a la represión de la sexualidad y a la severa formalidad litúrgica de la Cuaresma. wikipedia

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Región de Los Llanos

Esta es una región de colonización tardía por lo que los colonos provienen en su mayoría de la región Andina en vez de directamente de España, por lo que la población en los Llanos viene de la mezcla entre los indígenas y los europeos. Esta es una región ganadera por excelencia y por esto la vida del llanero gira alrededor del ganado, los caballos y el llano. Un detalle importante acerca de los Llanos es que no están localizados exclusivamente en Colombia, sino que de hecho el 60% de los llanos se encuentra en Venezuela, debido a esto, el folclor de los llanos es compartido por Colombia y Venezuela. A esta región pertenecen: wikipedia

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La trova yucateca

Con el nombre de trova yucateca se denomina a ciertos aires musicales mestizos típicos de Yucatán, México, cuyo origen se remonta a finales del siglo XIX y principios del XX. Los géneros propios de la trova yucateca son básicamente tres: el bambuco, de origen colombiano; el bolero, de ascendencia cubana, y la clave, que es una reelaboración del pasillo colombiano. Los compositores de este género incluyen en ocasiones valses, pasillos propiamente dichos, habaneras e incluso jaranas (un género musical nativo también de Yucatán, pero relacionado con los pueblos mayas de la región). Los principales exponentes de la trova yucateca fueron Ricardo Palmerín, Guty Cárdenas y otros muchos, que difundieron la música de la península yucateca en los núcleos urbanos del México desde principios del siglo XX.

Existe en Mérida la de Yucatán un interesante Museo de la canción yucateca. wikipedia

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Colombia y Cuba

La Trova es una de las facetas más interesantes de la cultura musical cubana, de la cual Silvio Rodríguez es el máximo exponente. En su contexto creativo surgieron unos y se desarrollaron otros de los géneros de la cancionística popular más desarrollada. Principalmente la guitarra y también otros cordófonos son el ámbito instrumental en que la voz, el canto y la poesía, encuentran sustento y entornos tímbricos y armónicos. La Trova entronca con la tradición repentísta del Trovo, poesía musical improvisada que, originada en la Edad Media, se mantiene viva en la Cuba rural.

En Colombia, este arte de improvisar recibe diferentes nombres según la región: en Antioquia y Viejo Caldas conservan el nombre de trova, en los Llanos Orientales contrapunteo, en los Santanderes torbellinos, en Boyacá guabinas, en la Costa Atlántica piquerías y en el Huila y Tolima rajaleñas.

En alguna ocasión, durante una semana, investigadores, musicólogos, músicos y amantes del género, cubanos y extranjeros, se dieron cita en la Universidad de La Habana para, al decir de Silvio Rodríguez, principal organizador del evento, de ser posible, “averiguar el sortilegio que conduce el hilo de la canción trovadoresca a través de tres siglos”.

El vocablo "trova" o "trovador" también se utiliza en otros países como México, o Chile, pero se refiere a estilos de música que nada tienen qué ver con las características de la trova colombiana. En otros lugares, la trova es música de protesta, incluso en género rock.

En México la Trova sufrió un fuerte impulso derivado de la influencia de la trova cubana como respuesta al régimen político surgiendo en un primer momento como canción de protesta.

Con el paso de los años se derivó en una serie de corrientes que abordan temáticas variadas desde lo cotidiano, pasando por el amor, el odio, la muerte, etc. wikipedia

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Origen de la trova

La trova nació de los cantos que difundieron los caballeros medievales a través de los juglares. Los ibéricos recibieron de los franceses el canto de los juglares hasta 1400, cuando la burguesía toma la iniciativa cultural, y ya no compone música sino que agrega diferentes textos a las mismas melodías. wikipedia

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Música folclórica en guinea

El grupo étnico más grande son los fang, aunque también hay numerosos Bubi y poblaciones más pequeñas de Bisio, Bujeba, ndowe, Combe y los annoboneses. Los Fang son conocidos por su mvet, un cruce entre una cítara y un arpa. El mvet puede tener hasta quince cuerdas. La parte semi-esférica de este instrumento está hecho de bambú y las cuerdas están unidas al centro por las fibras. La Música para la mvet está escrita en una forma de notación musical que sólo puede ser aprendida por los iniciados en la sociedad bebom mvet. La música es interpretada generalmente con un coro. Músicos como Eyi Moan Ndong y Obama (músico ecuatoguineano) han ayudado a popularizar el estilo folclórico.

El balélé y el ibanga risque son dos de las muchas danzas de Guinea Ecuatorial, la mayoría de los cuales son acompañadas por una orquesta de tres personas o cuatro que consisten en un arreglo de Sanza, xilófonos, tambores, cítaras y arpas de arco^[2]

Otro instrumento muy popular es el tam-tam, que es una caja de madera cubierta con piel de animal. En su centro, hay teclas de bambú para escalas musicales. Un segundo tipo de tam-tam tiene dos niveles diferentes de llaves musicales. Generalmente, los instrumentos musicales de madera están decorados con imágenes de la fauna y con los dibujos geométricos. Los tambores son cubiertos con pieles de animales o dibujos de animales. wikipedia

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Música folclórica de guinea

La cultura y música de Guinea Ecuatorial ha sido más documentada que la de la mayoría de países de África. Esto es parcialmente debido al tamaño pequeño del país y una población de unos 676.000. Guinea Ecuatorial fue creada de con tres antiguas colonias españolas: Río Muni, una franja de tierra entre el Camerún y Gabón, Bioko, una isla cerca de Camerún, y Annobón, una isla en el Océano Atlántico lejos de tierra firme.

El himno nacional de Guinea Ecuatorial fue escrito por Atanasio Ndongo Miyone, y se adopto oficialmente en 1968, cuando el país se independizó de España. wikipedia

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Música de Guinea Ecuatorial

La cultura y música de Guinea Ecuatorial ha sido más documentada que la de la mayoría de países de África. Esto es parcialmente debido al tamaño pequeño del país y una población de unos 676.000. Guinea Ecuatorial fue creada de con tres antiguas colonias españolas: Río Muni, una franja de tierra entre el Camerún y Gabón, Bioko, una isla cerca de Camerún, y Annobón, una isla en el Océano Atlántico lejos de tierra firme.

El himno nacional de Guinea Ecuatorial fue escrito por Atanasio Ndongo Miyone, y se adopto oficialmente en 1968, cuando el país se independizó de España. ^wikipedia

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Contradanza chocoana

Baile muy popular al sur de la Costa Pacífica de Colombia. Tiene gran acogida en los montajes de danzas típicas por su vistosidad y elegancia plástica.Este baile se origina en la corte de la antigua Escocia donde recibía el nombre de country-dance, o danza rústica aldeana en el siglo XVII, de allí pasó a Inglaterra donde fue enriquecida por las influencias cortesanas y adquirió una coreografía compleja y espectacular, semejándose en ciertos momentos a la clásica "cuadrilla". Luego hizo un recorrido por Europa llegando a Francia, luego a España y de allí los colonos la trajeron a América y es asimilada por los negros del pacífico al observar a sus amos patrones bailarlas El tema musical, nacido de un valseado muy cadencioso, desapareció totalmente al llegar al Chocó y al occidente de Antioquía, donde se le imprimió una melodía sincopada, más a tono con los gustos del mulato y el negro, siendo tocada exclusivamente para bailar. wikipedia

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Bunde Chocoano

Bunde Chocoano es un tipo de Música folclórica de Colombia y Panamá Se trata de una danza cuya coreografía difiere del currulao a pesar de ser interpretado por los mismos instrumentos.

Como ritmo musical ancenstral y propio de los nativos de America esta muy extendido entre las comunidades nativas como Catios y Embera, descendientes directos de la cultura indígena americana conocida como Tumaco. Los afrocolombianos la aprendieron de los nativos americanos cuando como esclavos negros durante la Colonia escapaban y se refugiaban en regiones apartadas y eran recibidos con hospitalidad por los nativos americanos del litoral pacifico. Tiene carácter de canción lúdica y difiere, en grado menor, de la forma de canto empleado en los velorios de los niños. En este sentido es una expresión de los ritos fúnebres y, a la vez, una forma de canto inserto en el ámbito de las rondas y juegos infantiles que ejecutan los chiquillos en el patio de la casa mientras los adultos se ocupan del rito mortuorio propiamente dicho.

En la interpretación del bunde se emplean únicamente los tambores, que registran una métrica pausada. Los cantos, en coro, se alternan con los toques del tambor en aquellas ocasiones en que se trata de una celebración; en caso contrario, las voces no intervienen. Numerosas canciones del repertorio del litoral, que son cantos de folclor lúdico o rondas de juego, se bautizan con el nombre de bundes, tales como "El chocolate", "El punto", "El trapicherito", "El florón", "El pelusa", "Jugar con mi tía", "Adiós tía Coti" y "El laurel". wikipedia

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Abozao

El Abozao es una danza folclórica del Chocó, en el pacífico colombiano. Está escrito a 6/8, muy parecido al currulao, aunque la presencia de los tambores en el abozao no es tan marcada, y la composición es más melódica.

La palabra Abozao proviene de "boza", cuerda para amarrar las embarcaciones de un muelle. Así que abozar es amarrar con bozas, símbolo que no parece alejarse del sentido de la danza. El abozao es quizás el ritmo más popular en la zona central del Chocó, donde se ha diversificado, adquiriendo distintos matices.

La melodía, a su vez, posee un corte tradicional muy rico en sugestiones sonoras que los músicos reiteran intencionalmente para estimular la fiesta. El abozao es un toque para bailar, pero los celebrantes suelen animarlo con gritos y exclamaciones en forma de tejido melódico que se ponen al servicio de la marcación rítmica. wikipedia

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Región Pacífica (Colombia)

La Región Pacífica de Colombia hace parte del Chocó biogeográfico. Se encuentra ubicada al occidente de dicho país y está dividida en dos grandes zonas marcadas por el Cabo Corrientes. Limitada en el norte por la frontera con Panamá, al sur por la frontera con Ecuador, al oriente por la Cordillera Occidental de los andes colombianos y al occidente por el Océano Pacífico del cual deriva su nombre.

Es una región con una inmensa riqueza ecológica, hidrográfica, minera y forestal en la cual se encuentran parques nacionales naturales. Es además considerada una de las regiones de mayor biodiversidad y pluviosidad del planeta con precipitaciones del orden de los 4.000 mm/anuales según el Ministerio de Minas y Energía de Colombia.^[1] Es también la tierra principal de la cultura afrocolombiana y de numerosas tribus indoamericanas que fueron denominados "chocoes" por los españoles al momento de la Conquista, aunque el término incluye familias lingüísticas de diferente origen. El litoral pone a Colombia de frente al Océano más grande del mundo y con ello un campo de encuentro internacional vital para su desarrollo. wikipedia

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El declive

A finales de la década de 1990, sobreviene el declive del género; las causas son diversas. Se habló en su momento de poca evolución por parte de las nuevas composiciones y canciones, y de cierta improvisación de grupos nuevos que bajaban la calidad del producto final y que saturaba el género, pero se habló además de un cariz político: la música había sido utilizada por el expresidente peruano Alberto Fujimori en sus diversas presentaciones como candidato a la reelección^[12] y algunas de las estrellas más reconocidas se hallaban envueltas en acusaciones de diversos delitos relacionados a la corrupción.^[13] Lo cierto es que la Cumbia se confinó finalmente a las zonas populares de la capital (los conos y el centro de Lima) y a las provincias, donde siguió siendo ampliamente dominante, llegando incluso a desplazar a la música tradicional y transformándose ella misma en la música popular y tradicional de dichos sectores, especialmente en el norte peruano (Trujillo,Piura y Lambayeque) y la selva (Loreto y Ucayali) y en donde sigue contando con un fuerte arraigo musical y surgen nuevos grupos continuamente.

Muchas agrupaciones peruanas que grababan para disqueras extranjeras habían desaparecido, disminuido su popularidad, habían sido descatalogadas de disqueras peruanas ó su interpretación se basaba en tendencias desactualizadas, y debido al declive interno de la industria fonográfica, el declive externo de la cumbia peruana fue aún más patente, México que comercializaba parte del material peruano exitoso de las dos décadas anteriores ante la falta de nuevas propuestas, centra su comercialización en material de cumbia mexicana y de Argentina, así como su preferencia de Salsa, el alto definitivo de comercialización de material peruano en Norteamérica fue en gran medida por la desaparición de Discos Peerless en 2002 que posteriormente fue absorbida por Warner Brothers music (Wea Latin) en 2005 cancelando toda comercialización posterior por completo de material peruano en aquella región, el último CD editado en norteamérica relacionado con éste movimiento fue el llamado "Fiebre de Tecno Cumbia con la Ola peruana" de Discos Peerless el 17 de Septiembre de 2002. wikipedia

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chicha

Así mismo, la cumbia se abre a más posibilidades y géneros, la fusión y la variedad prosigue y esta tendencia hacia la apertura es una de las características que más definirán al género.^{[10] [11]} Así, se abandona el término "Chicha" para quedar el género definido como Cumbia peruana, quedando el término "Chicha" para representar los movimientos musicales anteriores a la década de 1990.

Se mostró la imposición de la tecnocumbia en los multitudinarios conciertos que se daban llenando coliseos de Lima y provincias, en la aparición de muchos clubs de fans en diversos lugares, en la internacionalización de grupos como Aguamarina, Armonía 10, Néctar, el Grupo 5 y las orquestas juveniles, entre otros, y por la llegada de grupos extranjeros de cumbia a hacer conciertos masivos, como los argentinos Ráfaga, Complot y La Cumbia o los bolivianos Los Rónisch, quienes llegaron incluso a cerrar con su espectáculo la edición del Festival de la Cerveza Cuzqueña del año 2000, siendo filmados por la prensa internacional, que miraba sorprendida cómo este grupo quizás desconocido en otras latitudes compartía escenario con grandes figuras de la música y hacía vibrar a los concurrentes con sus letras simples pero amenas y cargadas de sentimiento, a la vez que altamente bailables.

Quizás lo más saltante de este momento sea, sin embargo, el hecho de que la cumbia dejó de ser la música de una clase social o económica, o de un sector geográfico diferenciado, para pasar a ser el tipo de música dominante en las principales radios y canales de televisión (el canal musical limeño Uranio 15 organizaba conciertos y daba mayor importancia a la cumbia que a otros géneros entre el año 1998 y el 2002), mientras en las discotecas, las actuaciones de los colegios, las oficinas y todo tipo de lugar, gente de todos los niveles socioeconómicas escuchaban al menos algunas canciones de este tipo de música, se hacían concursos y prosperaban las disqueras. wikipedia

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Década de 1990: La Tecnocumbia

A finales de la década anterior y a principio de esta década, el Perú se encontraba en constantes cambios económicos y sociales que afectaron directamente a la industria discográfica. Así, gradualmente las empresas grabadoras fueron desapareciendo, debido en parte a la falta de liquidez y financiamiento para procesamiento de audio en medios ópticos, que ya habían sido asimilados en otros países del continente. La única disquera que se mantuvo y se mantiene hasta hoy es "Industrias Eléctricas y Musicales Peruanas S.A." (IEMPSA- Odeón Perú subsidiaria de la alemana Odeón), por lo que empezó la proliferación de productoras independientes con equipos de grabación limitados y de nombres menos sofisticados como "Ovnis Producciones", "Mary Music Producciones" y "Rosita producciones" entre otras, lo cual afectó la calidad final del producto, que muy raras veces pasaba por un tratamiento profesional, más aún porque las grabaciones eran realizadas de conciertos en vivo embebiendo saludos que mandaba el público presente. No obstante, la calidad musical de la cumbia peruana a pesar de estas limitantes se mantiene.^[9]

Para las nuevas generaciones de peruanos, el momento cumbre de la cumbia en el Perú fue dado a fines de la década de 1990, con la aparición del subgénero de la cumbia mexicana llamada Tecnocumbia, que se fusionó a la cumbia peruana, con su variante argentina, además de mezclarse con ritmos brasileños en su variante selvática y con la música colombiana en su variante norteña. Esta variante tenía un carácter más juvenil y actual. Rossy War se perfiló como su mayor exponente y llegó a tener moderado éxito internacional. Otra agrupación exitosa de la época fue la "Banda Techno" de Beto Cuestas y Juan Mosto con su vocalista Claudio Morán que serían exitosos en México posteriormente, el mismo Claudio Morán graba diversos éxitos inéditos en el Perú, con Claudio Morán y su banda exclusivas para México ambos grabando para Discos Peerless al estilo tecnocumbia. wikipedia

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cumbia sonidera

Derivado de lo anterior, entra dentro de la cumbia sonidera una agrupación de Puebla que realiza covers de temas pop del catalogo estadounidense e internacional llamada Klazykeroz con uno de sus temas mas famosos llamado "No te pertenece" cover del tema "Brother louie'98" del grupo de música dance electrónica Modern talking con Eric XL Singleton, dirigida la agrupación por Saúl Vargas, en entrevista con el dirigente del Sindicato Unico de Trabajadores de la Música del Distrito Federal, Filemón Arcos, líder del grupo tropical "Los Joao" sostienen ante él su versión de que fueron los únicos creadores de dicho concepto de éste tipo de covers, emisión realizada por XHTV-TV de Televisa durante el programa "Reventón musical" que solo se transmite en la zona metropolitana. Dicha agraupación ha entrado en franca controversia con la agrupación de cumbia villera de la Argentina, los Clasiqueros, debido a que el grupo argentino acusa a la mexicana de plagio,^[24] situación aún no resuelta ya que la agrupación argentina certifica que fue formada en 2004 y la mexicana un par de años después, y no obstante existe otra agrupación de Puebla llamada "Los Graffiteros" de Miguel Estrada que indican que son los que iniciaron el concepto en el país,^[25] sin embargo, la música hecha por la agrupación de Vargas es musicalmente idéntica al estilo de Cumbia Villera que se realiza desde alrededor de 2003 en la Argentina, los aplausos y otros efectos característicos de la cumbia villera entán dentro de la agrupación poblana, y dicho estilo y concepto se autoadjudican aún y cuando existen grabaciones registradas^[26] en favor de la agrupación argentina años antes en el país sureño antes de la aparición de la agrupación de Saúl Vargas. wikipedia

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Nuevo Ritmo Maravilla

Se amplía y extiende el éxito del Nuevo Ritmo Maravilla de Christian Avila, Grupo Los Telez, y el tema "El paso del Gigante" de Grupo Soñador se vuelve infaltable en las reuniones, así como Sonora León, Grupo La Cumbia, éste último grupo utiliza de manera desmedida efectos electrónicos sobre sus temas asimilando a un midi, Grupo sensaciones, Grupo G, Grupo Chiripa, Grupo Los Mijez, Atentado Internacional, Chicos aventura, Los Giles, Los de Akino, Internacionales Estrellas Azules, Cometas Azules, Grupo Ternura, Viento Cálido, Karol y Su Amor Gitano (donde una mujer es su acordeonista y vocalista), variando todos ellos hacia un estilo más imponente debidos a tintes diversos derivados del Hip Hop, Rap y Reggaeton y/o variandolo hacia la Tecnocumbia, es muy diversa las tendencias de cada uno pero se les engloba dentro de la cumbia sonidera,la mayoría de los grupos sonideros de éxito provienen de la ciudad de Puebla, que ya tenía gran tradición de grupos de cumbia, así como de otras ciudades del país, y algunos formados en Estados Unidos, a todos estos grupos provenientes de México y en algunos casos de Perú en la Argentina se agrupan dentro del término de éxitos del "Tropitango" (por una discotech del mismo nombre una de las más afamadas de la Argentina) ó también clasificados como grupos de la "movida tropical" de la Argentina debido a la influencia en la cumbia argentina y en particular en la cumbia villera debido a que en gran medida, el éxito de la cumbia mexicana y cumbia peruana derivada de acordeón (a su vez del tango con acordeón) ha permeado la música del país de la Plata. wikipedia

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Década de los 2000's

Hacia el año 2000, la tendencia del estilo de cumbia sonidera se consolida, así pues, el estilo mexicano sonidero se comienza a extender, primero a Estados Unidos, después hacia centro, y parte de sudamérica, en particular, Argentina, Bolivia y Ecuador, países en los cuales, se ha asimilado el ritmo de cumbia sonidera y siendo adaptada y mezclada con el folclore y líricas de cada uno de éstos países, uno de los grupos más representativos extranjeros de cumbia sonidera mexicana es la agrupación argentina Jambao, y en Perú ha surgido un grupo de fusión de cumbia sonidera mexicana y cumbia andina en el grupo Chicas Del Sol, Caribeños de Guadalupe, Grupo 5, y a su vez el extinto grupo Grupo Néctar con grabaciones del grupo mexicano cañaveral.

Grupos de éste tipo de cumbia se vuelven muy populares, los más conocidos son los de la Dinastía Pedraza que se refiere a una serie de conjuntos musicales que tienen parentesco familiar entre ellos, así derivados de Super Grupo Colombia dirigido ahora por Aarón Pedraza, se retira uno de sus vocalistas, uno de los hermanos Pedraza Islas, para formar su propia agrupación llamada Alberto Pedraza con su Ritmo y Sabor, a su vez se forma también pocos años antes de ésta década el Grupo Kual?, Grupo Kien? y Sandamia Colombiana, mismos que heredan el sonido de cumbia similar a Super Grupo Colombia. wikipedia

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Luis Carlos González

Luis Carlos González Mejía Nació en Pereira el 26 de septiembre de 1908 y murió en la misma ciudad el 17 de agosto de 1985.

Fue un músico colombiano quien se dedicó al bambuco y una de sus composiciones más importantes es La Ruana, que hace alusión a una prenda que se usa en la región Andina Colombiana.

Hizo estudios hasta cuarto de bachillerato, pero fue un completo autodidacta que se desempeñó desde barrendero de la Personería Municipal hasta gerente de las Empresas Públicas de su natal Pereira.

Después de su primer bambuco, "Vecinita", compuesto en 1940 en homenaje a una hermosa muchacha pereirana vecina del poeta, son muchísimos los versos de Luis Carlos González que, musicalizados por los más destacados compositores nacionales de su época, se han convertido en reliquias auténticas de nuestra música colombiana.

Es prácticamente imposible señalar sus "mejores" canciones, pero de su inmensa cosecha podemos recordar títulos tan consagrados como "Aguardiente de caña", "Ajena", "Recuerdos", "Antioqueñita", "Besito de Fuego", "Callecita morena", "Caminos de Caldas", "Compañero", "Cansera", "Muchachita parrandera", "Amor montañero", "Troncos secos", "Fondas de ayer", "Tarde", "Trocha de lágrimas", "La ruana", "Los viejos", "Mi casta", "Sin palabras", "Acuarela", "Madre labriega", "Paisaje", y muchísimas otras más.

Los poemas de Luis Carlos González fueron musicalizados por grandes compositores de la época, y de manera muy especial por Enrique Figueroa y José Macías, al menos los de mayor éxito. También pusieron música a sus poemas los compositores Fabio Ospina, Hugo Trespalacios, Pacho Bedoya, Jorge Villamil, Eduardo Cabas, Lucho Vergara, entre otros. wikipedia

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